150 objets exposés, pièces historiques et uniques, icônes emblématiques, prototypes, dessins, films…, qui (dé)montrent l’étroite relation entre sport et design. Le design initie ou entraîne des changements fondamentaux dans le domaine du sport, tout comme la technologie améliore les capacités humaines et en compense ses éventuelles déficiences. « Tout au long de l’histoire du sport, le design a permis de créer des produits plus légers, plus sûrs, plus résistants et plus performants, pour les sportifs professionnels comme pour les amateurs. Il a également favorisé l’inclusivité, grâce au développement de prothèses et à la création de jeux virtuels comme l’eSport. Cependant, si le design fait progresser le sport par la technologie, l’inverse est également vrai : les sportifs veulent un équipement qui soit beau et agréable à porter (…), qui leur donne confiance en eux », explique Konstantin Grcic, designer et commissaire de l’exposition.

Voilà un livre qui ravira fans et passionnés de sport automobile. De tous les Grands Prix disputés en Formule 1, celui de Monaco est incontestablement le plus prestigieux. Réputé pour être l’une des courses les plus difficiles au monde, avec son circuit tracé au cœur de la principauté (3340 km de long, quasi identique à celui de 1950), aux virages serrés et aux dépassements délicats et audacieux, le Grand Prix de Monaco occupe une place à part. De 1950 à 1965, le grand photographe irlandais, Edward Quinn, qui a vécu et travaillé sur la Côte d’Azur, a immortalisé ce que l’on peut considérer comme l’âge d’or de Monaco. Avec son regard acéré, son sens inné de l’objectif pour “capter l’instant”, il a su immortaliser toute l’atmosphère d’une équipe où Ferrari, Maserati, Brabham et Cooper dominaient outrageusement l’épreuve, où l’insouciance de l’époque n’imposait pas encore les glissières de sécurité (on y mettaient des ballots de paille) et où la rivalité entre pilotes n’excluait pas la franche camaraderie.

C’est une exposition inédite (la dernière remontant à 1995), à l’image de l’immense talent de celui qui est toujours considéré aujourd’hui comme un précurseur, un maître en son domaine, l’un des grands noms de l’art contemporain, et plus particulièrement du monde de la sculpture. Constantin Brancusi, né en 1876 en Roumanie (et mort en 1957 à Paris) a en effet jeté les bases d’un art surréaliste et minimaliste. Après différentes formations en Europe et à Paris, le sculpteur trouve enfin son style et son identité qui le rendront unique, admiré comme jalousé ou critiqué. Des courbes, des lignes essentielles, des formes simples, pour des sujets poussés à l’abstrait… L’artiste perfectionne son art en cherchant à se détacher de la matière, pour donner vie à des symboles purs. « Ce n’est pas l’oiseau que je sculpte, mais le vol », expliquait-il. Pour cette sublime rétrospective, ce sont près de 200 sculptures (en plâtre, bois, pierre ou bronze, prêtées par des collections privées ou muséales), photographies, dessins, films et documents d’archives qui témoignent de la riche carrière de Brancusi, homme influent et novateur, de ses débuts à ses grands succès, en passant par ses œuvres plus controversées. Courez-y vite : c’est un événement ! 

Kate Moss + Mario Testino, c’est une amitié à toute épreuve, une complicité éprouvée depuis plus de vingt ans entre le photographe de mode le plus renommé de sa génération et la plus célèbre top-modèle au monde, alias “la brindille”. Un hommage du grand Mario Testino à sa muse, celle qui a charmé ses yeux par sa beauté, son humour et son esprit. Un duo très créatif aussi dans leur travail. Premiers shootings des débuts de Kate, coulisses des défilés, making-of des pubs qui ont fait le tour du monde : plus de 100 clichés incroyables publiés pour la 1ère fois, parmi les archives très personnelles de Testino. C’est chic, inspirant, sexy en diable et parfois provocateur, comme on aime ! Quel talent, ces deux-là !

Elle est l’une des créatrices de mode internationale, la plus remarquée et surprenante, la plus visionnaire de sa génération. Pour le plaisir de nos yeux, voilà une centaine de ses pièces Haute Couture exposées dans une remarquable scénographie. Des créations uniques dialoguant ici avec des œuvres d’art contemporain (celles de Philip Beesley, du Collectif Mé, Damien Jalet, Jacques Rougerie…) ou des créations de design (de Neri Oxman, Ren Ri ou Ferruccio Laviani…). À la tête de sa Maison depuis 2007, et pionnière dans l’usage des nouvelles technologies dans la mode, la talentueuse créatrice néerlandaise, à peine 40 ans, aime à transgresser les normes conventionnelles du vêtement, proposant des robes uniques aux design sensuels, inspirées du monde naturel. Son ambition ? Réinventer le métier et légitimer une mode éco-durable, “consciente”, où la matière est vue dans une approche interdisciplinaire à l’art et la mode.

C’est un légendaire projet commun, une histoire d’amour racontant en images cinquante-cinq années de collaboration et de dialogue entre Helmut et June Newton (alias Alice Spring), photographes tous deux les plus influents de leur époque. Dans la 1ère partie du livre, ce sont des portraits personnels et intimes loin des projecteurs, un “journal en images” qu’ils ont pris l’un de l’autre pendant plusieurs décennies. Dans la 2de, c’est une galerie de portraits saisissants de célébrités, figures de la jet-set ou de la culture, de visages les plus connus de chaque époque (Catherine Deneuve, Anjelica Huston, David Hockney, Gianni Versace, Yves Saint Laurent, Thierry Mugler, Jane Birkin ou Charlotte Rampling…). Des portraits réalisés au cours de plusieurs séances présentées ici, par paires, afin de montrer les facettes d’une même personnalité. C’est beau, sublime, intense : un livre à (s’)offrir !